Территория экспериментов (ВИДЕО)
Независимый куратор и критик, доктор философии, специалист по российскому видеоарту, преподаватель факультета «Арт-менеджмент и галерейный бизнес» Антонио Джеуза рассказал студентам бизнес-школы RMA об истории возникновения видеоарта, о пионерах этого искусства и их целях и задачах.
Новые возможности
Для начала нужно уточнить, что оборудование – это не искусство. «Я первый, кто снял видео на телефон», «первый использовал компьютер, интернет, 3D» – да пожалуйста, только это просто технологии, искусство – это содержание, так все время было и будет. Но если инструмент ничего не значит, зачем мы изучаем видеоарт отдельно от остальных видов искусства?
Для этого есть исторические причины, и чтобы это понять, мы должны отправиться на 50 лет назад. Да, видеокамеры появились раньше, но нас в первую очередь интересует не технология, а искусство, поэтому будем вести отсчет с того момента, когда оборудование стало доступно художникам.
Осенью 1965 года художник Нам Джун Пайк (Nam June Paik) купил первую видеокамеру Sony Portapack, название такое она получила за портативность – хотя ее размеры вовсе не были маленькими, камеру было возможно переносить. Нам Джун записал на свое приобретение пробку, созданную кортежем Папы Павла VI в Нью-Йорке, и тем же вечером показал эту видеозапись своим друзьям в арт-кафе. Реакция зрителей была сродни реакции на первую демонстрацию фильма братьев Люмьер, но не потому, что люди не видели видео раньше, а потому что это открывало новые возможности перед художниками.
Да, оборудование не может быть искусством, но только благодаря видеокамере художники могут показать настоящее время. Это же мечта художника. Кино, живопись – это все о прошлом. Фотография пахнет смертью, даже только что сделанный снимок отображает полсекунды назад, а если направить на вас камеру и подключить ее к монитору, мы здесь и сейчас будем видеть настоящее время. А в этом и заключается функция современного искусства – показать действительность так, как есть. Знаете в чем прелесть современного искусства – оно никогда не врет. Все, даже самые безумные абстракции имеют связь с реальностью, даже самые непонятные картины Джексона Поллока – это мир такой, какой он есть.
Кроме этого, видеокамера дает сказать именно то, что вы хотите сказать, а не то, что показывают по телевизору. Маршалл Маклюен ввел понятие «global village», которым он объясняет, как земной шар «сжался» до размеров деревни: с помощью электронных средств связи стала возможна мгновенная передача информации с любого континента в любую точку мира.
Если вы хотите, чтобы ваше сообщение было известно, вы должны иметь инструменты, чтобы его записывать и передавать. Видеокамера в руках художников – это альтернативная сеть дистрибуции информации, возможность высказать свою точку зрения и суметь донести ее до зрителей. Один художник без особых средств теперь имеет возможность противостоять телевидению, ведь есть возможность создавать множество копий своего видео и распространять их.
Тогда были сложные времена войны в Корее, Вьетнаме, протесты, выступления в защиту прав чернокожих, женщин, гомосексуалистов – все это показывалось по официальным каналам, но только с одного ракурса, поэтому было важно показывать другую точку зрения. У художников, не согласных с тем, что было в официальных источниках информации, появился голос.
Поп-арт всегда ассоциируется с деньгами, мы представляем искусство, как что-то дорогое, недоступное. Энди Уорхол – гениальный художник, он понял, как работает эта система и стал предлагать то, что купят. Видео дало возможность доказать, что искусство – это нечто другое, это не вещь, которую можно купить, ведь это не продукт, это процесс. А художник – это не сверхвысота, да, у него есть дар, показать жизнь, но само его существование, быт и прочее не являются чем-то особенным, и далеко не все, что делает художник – это искусство.
Искусство – это нефункциональная вещь, оно не упрощает и не спасает жизнь. Художник – это баобаб, красивый, очищающий воздух, но не приносящий плодов. И видео – это идеальный способ показать бесфункциональность искусства.
Пионеры видеоарта
Чтобы было проще понимать, как это было в начале, мы можем разделить видеоарт на три направления:
- Видеоарт для помещений, где демонстрируют современное искусство: галереи, музеи и другие институции. Обычно в таком случае камера направлена на самого художника.
- Документальное видео, поднимающее социальные проблемы, выступает как альтернатива телевидению. Камера направлена на мир.
- Чистый формальный подход, то есть формализм, когда все в самом произведении, безотносительно к какому бы то ни было контексту. При таком подходе художник сосредотачивается на возможностях самого инструмента, то есть камеры.
1. Камера на художника.
Анализ видео Брюса Наумана "Stamping in the Studio" (1968) - История видеоарта, Pratt Institute
Кроме прочего, на видео звук, не совпадает с изображением, и это должно заставить нас задуматься, почему именно так. На самом деле, рядом с камерой сидит женщина и стучит по ведру. Художник хочет сказать «Смотрите внимательнее! Не воспринимайте искусство пассивно» - когда человек понимает, что к чему, он становится отчасти сопричастен к работе. Искусство – это не товар, это человек, который смотрит на искусство и активно участвует.
Вы бы не смогли смотреть час это произведение, но эти художники 40 лет назад не боялись быть скучными. Кстати, изначально снимавшееся явно не с коммерческой точки зрения, сегодня эта работа стоит немалых денег.
Vito Acconci «Centers», 1971
Да, это еще одно скучное видео, где ничего не происходит, но вы чувствуете свое присутствие? Ведь все, чего хотели эти художники – это диалог с публикой. Работа простая максимально – художник просто показывает «я и ты» и все.
Vito Acconci «Open Book», 1974
Да, это неприятно. Начинается видео со слов «I'll accept you, I won't shut down, I won't shut you out...», автор опять же хочет, чтобы вы участвовали в его работе, вслушивались, разбирались, а не просто проходили мимо. Художники хотели чувствовать наше присутствие, чтобы мы сделали хотя бы полшага вперед к этому искусству, чтобы нам было не все равно
Фрагмент работы John Baldessari «Teaching a plant the alphabet», 1972
Художник обучает растение алфавиту, показывая ему букву за буквой и произнося соответствующие звуки. После 24 букв алфавита, ничего не происходит, и это было понятно с самого начала, но художник все равно это делает, потому что процесс важнее. Балдессари как бы говорит нам «я не клоун, чтобы развлекать вас, и не исследователь, чтобы получить какой-либо результат». Искусство – это большой парадокс, сама работа – это не искусство, а только процесс.
2. Камера на мир.
Искусствоведы предпочитают считать работы, которые создавались как альтернативная сеть дистрибуции информации, документальным видео, а не искусством. Но для художников это не было чистой журналистикой, их интересовали вопросы формирования нового восприятия действительности.
Фрагменты видео Art Farm «Media Burn», 1975
Это документация акции, где в первой части акции актер, изображающий президента Кенеди, говорит, о том, что телевидение врет и манипулирует. Во второй части перформанса кадиллак врезается в стену из горящих телевизоров, чем протестующие художники выступает против иллюзионизма средств массовой информации.
3. Возможности самой камеры
Художники, которым в первую очередь была интересна визуальная составляющая, изучали возможности самой техники. Например, Питер Кампус экспериментировал со своим собственным видеоизображением, демонстрируя возможности расположения и локализации видеообраза в пространстве видео.
Peter Campus «Three Transitions», 1973
Ну что, где ваше «вау»? Это было 40 лет назад! Это не монтаж, это возможности, которые открывает художник в самой технике. Монитор одновременно принимает сигналы с двух камер и транслирует их. Эффект очень простой, а художник не сообщает нам никакой концептуальной идеи. Это фотошоп до фотошопа, работа со слоями, создание новой визуальности. Огромное количество пионеров видеоарта были скульпторами, они любили видеоарт, потому что поняли, что это не плоское изображение, а его можно лепить.
Ну и конечно главный момент в том, что это происходит здесь и сейчас, без монтажа, художники наглядно показывают, что пять минут их жизни – это пять минут вашей жизни. Жизнь так, как есть.
Цифровые технологии
Следующим этапом развития видеоарта стало развитие цифровых технологий. Качество изображения стало гораздо выше, но главное отличие аналога от цифры в том, что последняя технология позволяет манипулировать изображением. Аналог максимально похож на жизнь, и для создания он требует реальности. Цифра же позволяет создавать изображение с нуля, не имея никакой видео-записи, сейчас мы можем рисовать здания, ландшафты, людей и делать из этого фильмы.
Когда появились первые компьютеры, появились гибридные видео, снятые на аналоговую технику и смонтированные на компьютере. Исторически считается, что первой такой работой является видео художника Гэри Хилла «Windows».
Gary Hill "Windows", 1979
В этом видео сразу видно, где цифра, а где аналог – совмещая реальность с цифрой, мы получаем новую визуальность. Что хочет нам сказать автор? Сейчас для нас это не является чем-то необычным, но в 1979 году это был новый взгляд, художники уже были готовы изменять мир, а не воспринимать реальность как данность. Это совсем другой поток, это уже не пионеры видеоарта, это зарождение медиа-арта.
Визуальная культура очень изменилась в 80-х, когда появились музыкальные телеканалы, у клипов 80-х есть определенная эстетика, которая практически безошибочно узнается в стиле видео.
Сheryl Donegan «Head», 1993
Несмотря на кажется очевидный сексуальный подтекст и клиповость, для художницы это видео - визуализация творческого процесса, ведь творец должен быть художником всю жизнь, это замкнутый круг.
Видео – это территория экспериментов
Сложно сказать, что после 80-х есть одно направление, сейчас много чего происходит в мире видеоарта. Так как история видеоарта – очень короткая, особенно по сравнению с живописью и скульптурой, у художников до сих пор есть простор для экспериментов.
Сейчас, когда все доступно и все просто, стало проще получить информацию, но учитывая, что ее количества стало гораздо больше, разбираться во всем этом и понимать стало сложнее. Все реже мы смотрим видео от начала до конца, потому что нам нужно бежать. Мы смотрим фрагментами, сейчас сложно представить, что на выставке кто-то будет час смотреть как художник час ходит по комнате.
Самое важно в сфере искусства – это смотреть и еще раз смотреть, именно так формируется свой вкус, которому нужно доверять, и не нужно верить всему, что пишут и говорят критики. В мире современного искусства вас никто не ждет, поэтому вы должны развиваться и у вас должен быть свой подчерк, даже у самых крупных галеристов есть определенный круг художников, они не распыляются на всех.
И еще, если вы не любите искусство, не стоит идти в этот мир. Серьезно, эта профессия требует полного погружения.